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Vetusta Morla - „Mismo Sitio, Distinto Lugar“ - Tour 2018

„Mismo Sitio, Distinto Lugar“ heißt das 4. Album der spanischen Indie- und Alternative- Rock-Band Vetusta Morla (VM). Gehörten sie durch die vorherigen Alben und begeisternden Konzerte schon zu den beliebtesten Künstlern im spanischsprachigen Raum, so haben sie mit dieser Veröffentlichung dennoch ein neues Level der Popularität und Internationalität erreicht.

Das Album stieg in den spanischen Charts auf Platz 1 ein und hat bereits kurz nach Veröffentlichung Gold-Status erreicht. Album und Tour machen Furore in Süd- und Mittelamerika, wo VM ab März durch 7 Länder touren werden. Die US-Musikbranchen- Bibel, das Billboard Magazine, sieht die Band als eine von „10 Latin Artists to watch in 2018.“

Mit „Mismo Sitio, Distinto Lugar“ haben Vetusta Morla die Essenz ihres bisherigen Schaffens, ihre unbedingte Hingabe zur Musik sowie den Wunsch und die Notwendigkeit neue Einflüsse und Sounds zu integrieren, in das Album eingebracht. Die 10 Songs des Albums sind das Ergebnis einer aufregenden, persönlichen und professionellen Reise, welche die Band aus ihrem Proberaum in Madrid in die legendären Berliner Hansa Studios geführt hat, wo schon David Bowie, Iggy Pop, U2 u.v.a. transformative Alben aufgenommen haben. Und von Berlin ging die Reise weiter in die versteckten Tarbox Road Studios in Cassadaga, New York wo das Album mit Dave Fridmann (MGMT, Tame Impala, Spoon, The Flaming Lips) abgemischt wurde.

Das Album blickt nach innen, auf die Mitglieder der Gruppe, aber dieser Blick führt zwangsläufig nach außen, auf die Menschen und die Gesellschaft, die die Band umgeben. „Mismo Sitio, Distinto Lugar“ ist der Titel des Albums und zugleich des letzten Songs, er bedeutet sinngemäß „gleiche Stelle, anderer Ort“. Und so ist es der Band mit der Erschaffung dieses wohl bisher komplettesten Albums ihrer Geschichte ergangen.

Nach der Fertigstellung befinden sie sich an der gleichen Stelle, die aber ein anderer Ort mit einer anderen Beschaffenheit geworden ist - zugleich Zuhause, Rückzugsort und Ausgangspunkt eines Aufbruchs.

Musik wie die verwaschene Erinnerung an einen verblasenden Traum: Das UK-Duo The KVB vermischt reverblastigen Shoegaze mit minimalistisch-elektronischer Produktion, um einen filigranen und flüchtigen Sound zu erschaffen. 2010 nimmt die Band als Soloprojekt im Southamptoner Schlafzimmer von Nicholas Wood ihren Anfang.

Auf ersten Kassettenaufnahmen spielt Wood sämtliche Instrumente selbst ein, und wo die eigenen Fähigkeiten nicht genügen, helfen Drumcomputer und Synthesizer aus. Er spielt Gitarre und singt zunächst unter dem Pseudonym Klaus von Barrel, später wird daraus das Akronym KVB. Es ist experimenteller Postpunk im erweiterten Sinn. Wood: "Dunkle Dinge haben mich schon immer fasziniert. So wie die düstere Seite der Popmusik."

Ende 2011 wachsen The KVB, ähnlich den auch musikalisch artverwandten The Raveonettes, zum Zweigespann an. Mit dem Einstieg der studierten Kunstwissenschaftlerin und Partnerin Kat Day sowie dem gemeinsamen Umzug von London nach Berlin begehen The KVB das nächste Kapitel in ihrer Schaffensphase. Mehr und mehr erinnert der Sound an Neo-Psychedelia-Acts wie A Place To Bury Strangers oder alte Postpunk-Helden wie The Jesus And Mary Chain. Für die 2014er-EP "Out Of Body" begeben sich The KVB erstmals zu Brian Jonestown Massacre-Mastermind Anton Newcombe nach Berlin. In dessen dortigem Studio nehmen sie die düsteren Stücke auf. Auf der EP debütiert auch Stereolab-Kollaborateur Joe Dilworth als Drummer. Die Platte erscheint auf Newcombes Label A Records.

Auf Geoff Barrows Experimental-Indielabel Invada Records (Beak>, Crippled Black Phoenix) veröffentlicht die Band das fünfte Album "Of Desire". Stärker noch als zuvor beziehen sich Wood und Keyboarderin Day darauf auf ihre Einflüsse. Die Artverwandtschaft zu Death In Vegas, Scott Walker und Roxy Music ist unüberhörbar. Dennoch werden The KVB nicht müde zu betonen, dass sie sich keineswegs als eine jene Formationen verstehen, auf die Schlagwörter wie 'retro' oder 'vintage' passten. Ziel ist vielmehr der schmale Grat, auf dem Neugeschaffenes sowohl augenblicklich vertraut als auch originell klingt.

Born in Johannesburg, South Africa, and now calling Colorado home, horticulturist-turned-musician Gregory Alan Isakov has cast an impressive presence on the indie-rock and folk worlds. With songs that hone a masterful quality, telling a story of miles, landscapes, and the search for a sense of place, he has been described as “strong, subtle…a lyrical genius.

Evelinn Trouble wurde einmal als das uneheliche Kind von Patti Smith und Thom Yorke bezeichnet. Wenn an der Sache was dran wäre, dann hat sie die Sensibilität und klangliche Erfindergabe von ihrem Vater, aber die revolutionäre Energie ihrer Mutter geerbt.

In Zürich als Tochter einer schwedischen Jazz-Sängerin geboren, reifte ihr Talent in der umtriebigen Untergrund-Szene Zürichs, wo sie in besetzten Häusern lebte und spielte. „Um 2h morgens vor betrunkenen Punks zu spielen, lernt dir alles was du als Musikerin für die Zukunft brauchst“, meint sie dazu. Ihre einzigartige Stimme fiel auch Sophie Hunger – in derselben Gegend wie Trouble gross geworden – auf, die sie kurzerhand als Backings-Sängerin mit auf Tour nahm. Eine Zusammenarbeit die ein abruptes Ende nahm, als dessen Management sich Sorgen machte, das Trouble dem Main Act die Show stehlen könnte. Trouble ist ein Shapeshifter, ein kreatives Multi-Talent mit dem angeborenen Drang zu experimentieren. Sie führt Regie bei ihren eigenen Musikvideos und deren anderer Bands. Wie in ihrer Musik hat sie auch hier eine eigenwillige Sprache entwickelt, in der ihr DIY Background spürbar ist. In ihren Videos sind der Fantasie keine Grenzen gesetzt, sei es ein Remake des Klassikers „Wizard Of Oz“ als trashiges Splattermovie oder eine Reise im Bandbus durch ein Fraktalzoom, über den Wolken endend.

Ihre Debut war ein Lo-fi Pop Ethos, mit 17 Jahren im Alleingang eingespielt. Doch bereits auf dem nächsten Album musste der etwas unschuldige Soul-Pop einem imposanten, lauten Starkstrom Industrial Rock weichen, als sie auf dem Dachstock eines Freundes einen alten Juno 60 Synth fand. Darauf folgte eine analoge Motown-Hommage und ein psychedelisches Konzept-Album. Evelinn Trouble's Songwriting ist ehrlich und direkt und zielt dorthin, wo's am meisten wehtut, mit Texten die persönliche und politische Themen zu verschmelzen scheinen. Wie zum Beispiel im Song „WISH MMXVII“, den Trouble nach einem Aufenthalt in Athen schrieb, wo sie ein Lager für Geflüchtete besuchte, um sich ein Bild der Tragödie zu machen. Oder in „Warface“, ihr Protest-Song gegen die Schweizer Waffenexportindustrie.

Und nun teilt uns dieser Shapeshifter etwas nonchalant mit, ihre nächste EP „Hope Music“ sei neuzeitlicher Pop“. Wie ihr Debut, sind die Songs im Alleingang entstanden, die Soundwelt ein Sammelsurium aus zwei Jahren Homerecording in diversen Schlaf -und Hotelzimmern, Dachböden und Kellern dieser Welt. Gemischt wurde alles in Berlin, wo die nomadische Trouble nun lebt. Kann das wirklich „neuzeitlicher Pop“ sein? Die beste Beschreibung ist wohl; „Hope Music“ klingt so, als hätten Patti Smith und Thom Yorke zusammen ein Baby gemacht.

Mit "Much To Much" und "All At Once" wurde 2016 der Startschuss für das Universum Allan Raymans gelegt. Ein Sänger ohne Hintergrund und Geschichte, ohne Vergangenheit oder klar kommunizierte Zukunft, ohne Drang auf schnellen Erfolg und Jubel für sein Dasein. Nein, mit seinen nächtlich-schönen Balladen zwischen Alternative Soul und Indie R&B drückte der Sänger aus Lost Springs nicht einfach so aufs Gaspedal. Vielmehr ist ihm die kapitelhafte und in Lieder getunkte Illustration seines Lebensweg wichtig.

Im Oktober 2016 erfolgt darauf mit dem lang ersehnten Debüt-Album "Hotel Allan" die erste grosse Offenbarung um den schattenhaften Künstler hinter umgarnend-süffigen Stücken wie dem verspielten "Tennessee" oder liebestrunkenen "Lucy The Tease". Doch auch trotz Album und Konzerten quer durchs Land hält Rayman verschwiegen, lässt nur wissen, dass mit jeder weiteren Veröffentlichung ein weiteres Kapitel seines Dasein gelüftet wird.

Es ist schnell zu merken, dass hier mit allen Mitteln der Dramaturgie gespielt wird. Die Figur Allan Rayman ist weit mehr als die Musik, welche das Herz dieses singenden Phantom am schlagen hält. Videos für Songs wie dem mit Romantik und Verlust verbundenen "The Cage" oder "Repeat" von Raymans letztjährigem Album "Roadhouse 1" kommen mit einer feinfühligen Ästhetik daher und wirken eher wie Kurzfilme, als herkömmliche Musikvideos. Diese cineastische Grösse und der damit verbundene Klang-Epos bringt der ominöse Einzelkämpfer am 9. Dezember auf die Bühne des Mascotte in Zürich.