programm Januar

The European Queen of Burlesque
www.queenofburlesque.eu

Feat. Amber Topaz (Uk), Didi Derriere (Uk),
Ruby Colibri (Bel), Elena la Gatta (D), Albadoro Gala (Ita)

Hosted by: Mysti Vine (Bel)

"The European Queen of Burlesque© bietet einen aussergewöhnlichen und unvergesslichen Abend der Live-Unterhaltung!
Dieser ist überraschend, lustig, exotisch, erotisch, umwerfend, faszinierend, atemberaubend…!
Die Show ist ein Fest der Burlesque-Kunst, denn die 30 besten Burlesque-Künstler Europas kämpfen während & Vorausscheidungen und einem grossen Finale um die Krone der Königin!
Vertreten sind Styles wie Classic, Neo, Boylesque, Comedy, Burlesque, Dark Cabaret und viele mehr!
Wir freuen uns sehr darauf, euch im legendären Club „mascotte“ im Corso-Haus begrüssen zu dürfen, in welchem einst das Corso-Theater beherbergt war…eines der ältesten Burlesque-Theater und Jazz-Cabarets der Schweiz.

"The European Queen of Burlesque© offers an unforgettable and extraordinary evening of live entertainment!

It's amazing, hilarious, exotic, erotic, stunning, mesmerising, breath-stopping! 

The show is a celebration of the Art of burlesque as the 30 Best European Burlesque performers compete for the Crown at 6 qualifications and one big final!

Featuring styles like classic, neo, boylesque, comedy, burlesque variety, dark cabaret, and more! 

We are looking forward to welcoming you to the legendary club "mascotte", located in the famous Corso House, where once the Corso Theater was housed ... one of the oldest burlesque theaters and jazz cabarets in Switzerland.

Save the dates:

1. Runde 1.            16. November         Princess: ZOÉ BIZOE (Gent/BE)
2. Runde 2.            14. Dezember         Princess: PI THE MIMIE (UK)
3. Runde 3.            18. Januar
4. Runde 4.            08. Februar
5. Runde 5.            14. März
6. Runde 6.            18. April

THE FINAL      16. Mai

Tickets für sämtliche Vorausscheidungen sind ab sofort via Starticket.ch im Vorverkauf erhältlich.

Alle paar Jahre hört man eine Stimme, die man nicht wieder vergisst. Weil sie etwas transportiert – ein Gefühl, eine Erinnerung, vielleicht eine bestimmte Art von Trost. Solche Stimmen überwinden die Grenzen von Genres und Musikgeschmäckern, weil in ihnen etwas schwingt, das glücklich macht. Man fühlt sich ein kleines bisschen freier, jedenfalls für den Moment. Und weiß dann wieder, worum es bei Musik eigentlich noch mal ging.

Josh Teskey hat eine solche Stimme. Der Sänger und Gitarrist singt, als käme er nicht aus Melbourne, Australien, sondern aus einer anderen Zeit und von einem anderen Ort. Aus Memphis vielleicht, ca. 1967, oder aus Detroit. Josh Teskey erinnert an Legenden wie Otis Redding oder Sam Cooke und weckt den alten Soul und Blues in einer Weise zu neuem Leben, wie man es eigentlich nicht mehr kann. Wenn Josh singt, wird es still um ihn herum, weil man nichts verpassen will, keinen Ton, kein Wort, keine dieser großartig klassischen Melodien und R&B-Hooks.

Doch es geht nicht allein um Josh, sondern um seine Band, die Teskey Brothers, die er gemeinsam mit seinem Bruder Sam (Gitarre), dem Bassisten Brendon Love und dem Schlagzeuger Liam Gough gründete. Die vier Musiker kennen sich seit Kindesbeinen, sind in derselben Nachbarschaft am Rand von Melbourne aufgewachsen und spielen ihre Version des 60s-Soul und -R&B schon seit gut zwölf Jahren.

Unter Sams Haus bauten die Freunde einen Proberaum, der zum Aufnahmestudio anwuchs und noch heute das Hauptquartier der Band ist. Hier reifte in aller Ruhe die Musik der Teskey Brothers, bis vor zwei Jahren das Album „Half Mile Harvest“ entstand. Warum braucht man zehn Jahre für ein Debüt? „Wir hatten gar nicht unbedingt vor, eine Platte zu machen“, erklärt Sam, „wir waren ganz zufrieden damit, in der Woche unseren Jobs nachzugehen, abends zu proben und am Wochenende Gigs zu spielen.“ Da ist man an einem Kern der Teskey Brothers: Diese Musik ist eine Dekade lang ohne die üblichen Ziele aufstrebender Musiker entstanden – Plattenvertrag, Ruhm, Weltkarriere. Hier sind vier junge Männer mit einem bescheidenen australischen Leben, Handwerkerjobs und einem Sinn für das unaufgeregte Vergehen der Zeit. Hätte sein können, dass diese unfassbare Musik den Bundesstaat Victoria nie verlässt.

Doch es kam anders, weil man eine so fabelhafte Platte wie „Half Mile Harvest“ nicht für sich behalten kann. Schnell nach dem Erscheinen wurden Blogger und Playlisten-Kuratoren auf die Teskey Brothers aufmerksam. Booking-Agenturen brachten die Band nach Europa und in die USA, wo die Clubs bald ausverkauft waren.

Nun erscheint das zweite Album, „Run Home Slow“. Man hört wieder den unfassbar authentischen und inspirierenden classic sound der Australier, doch der Vorhang öffnet sich. Mit der Hilfe des Produzenten Paul Butler (Michael Kiwanuka, Andrew Bird) addieren die Teskey Brothers Folk und Gospel und machen ihre Arrangements mit Streichern, Bläsern und Background-Sängerinnen üppiger. Ganz wundervoll ist zum Beispiel „Paint My Heart“, das mit einer Hammondorgel beginnt und sich zu einem Blues-Jam-Rock aufschwingt, als wohnte man einem frühen Konzert von Joe Cocker bei. Oder der jubilierende Shuffle „Man of The Universe“ – man wähnt sich mit The Band in den Catskill Mountains im Jahr 1968. Genauso wundervoll ist das fast a cappella vorgetragene „Hold Me“ –mehrstimmiger Gesang, Handclaps, floorboard stomping: Da ist es wieder, das glückliche Gefühl.

„Run Home Slow“ entstand wieder in Sams Heimstudio und wurde erneut streng analog auf einer alten Studer-A80-Bandmaschine aufgenommen. Die Band ist in ihrem Element: Sam kennt die Finessen der altmodischen Musikaufnahme, Brendon ist der künstlerische Leiter und schafft mit Trommler Liam ein Fundament aus klassischen Motown-Grooves. Und Josh packt jede Unze Emotion in seinen Gesang, der nun noch mehr Höhe, Breite und Tiefe hat. „Auf dem Album geht es um Veränderung und darum, sich von seinem jüngeren Selbst zu verabschieden“, sagt Liam, „unser Leben ist anders geworden; wir haben unsere Jobs gegen ein Leben auf Tournee fern der Heimat eingetauscht, und das ist herausfordernd für uns. Es war uns wichtig, in all dem Trubel an den Ort zurückzukehren, an dem wir frei von Erwartungen unsere Musik entstehen lassen können. Wir schreiben simple Songs, mit denen wir transportieren können, um was es uns bei Soulmusik geht: Gefühl, Gefühl und noch mehr Gefühl.“

Gitarrist und Produzent Adrian Queseda und Strassenmusikant Eric Burdon verbinden auf eindrucksvolle Weise Vergangenheit mit Gegenwart und mischt dabei Gospel mit R’n’B, Gitarrenrock mit Soul, Hip Hop mit Funk. Kein Wunder, dass der renommierte Radiosender NPR die Band als „The Breakout Band Of 2019“ nannte und KCRW den Sound der Black Pumas als „Wu-Tang Clan meets James Brown“ beschrieb. Beim letzten SXSW Festival in Austin, Texas bekam die Band weiteres, umwerfendes Feedback und sogar den Preis für „Song Of The Year“ („Black Moon Rising“) und „Best New Band“.

Als Quesada 2017 zwischen zwei Projekten daran machte, ein paar neue Songs zu schreiben, fehlten nur noch die passenden Vocals dazu. Was er suchte, war neuer Schwung für die Musikszene in Austin. Als ein paar Wochen später Burton, ein bislang unbekannter Name, ihn anrief und einen bereits geschriebenen Song per Telefon sang, war Quesada hin und weg. Das Ergebnis dieses banalen Anfangs kann man nun auf dem Debütalbum der Black Pumas hören – und fühlen.

Denn der Groove, den die Band um Quesada und Burton rüberbringt, lässt einen nicht lange still sitzen und bringt Schwung in den Körper. Mal mit Trompeten, mal ein jazziges Klaviersolo, einiges an verspielt-souligen Gitarren-, Bass- und Schlagzeugsounds, hin und wieder untermalen (ein bisschen zu viele) Streicher einen Sound, der wirklich gut zur sommerlichen Jahreszeit passt. Alles scheint unkompliziert und die Stimmung hebt sich.

Das Album startet musikalisch mit einem Trommelwirbel: Vorhang auf für einen schwarzen Mond am Musikhorizont („Black Moon Rising“) und eine Band, von der man hoffentlich noch viel hören wird. Wüsste man nicht, dass es in den Lyrics um die Liebe zu einer Frau geht, würde man diese Zeilen als Ankündigung lesen: Hier kommen sie, die Black Pumas, der aufgehende Mond für die Soulszene Austins. Gleich bei den ersten Tönen merkt man, dass Eric Burton die zentrale Figur ist: Voller Wärme und Volumen bildet seine Stimme unterschiedliche Tonlagen ab und kreiert dabei wundervolle Farbtöne.

„It’s a good day to see my favorite colors“, singt Burton auf dem Herzstück der Platte („Colors“) und man groovt sich ordentlich ein. Es wechselt zwischen schnelleren und langsameren Passagen, der Backgroundgesang ist klassisch mehrstimmig gehalten und untermalt dabei (wie sollte es anders sein) Eric Burtons Gesang. Zu Beginn des letzten Drittels zeigt sich der jazzige Einfluss mit einem Klaviersolo und verleiht dem Ganzen dadurch einen jammigen Charakter. Leider können nicht alle Stücke mit diesen beiden ersten mithalten, so wirkt „Know Your Better“ und „Sweet Conversation“ je für sich zu langsam und träge, die Beats bleiben recht einfach und es kommt nicht so richtig Fahrt auf. Dass der Grund dafür nicht in der ruhigen Geschwindigkeit liegt, zeigt das stimmungsvolle „Old Man“.

„Black Pumas“ ist eine feine Mischung aus klassischem Soul und Funk mit Elementen von East-Coast Hip-Hop und Jazz. Dabei hat es alles, was ein grooviges Album braucht. Nicht mehr, aber eben auch nicht weniger. Es lässt den Fuß wippen und den Kopf nicken, während man sich die Sonne ins Gesicht scheinen lässt und sich freut, dass es endlich Sommer ist… und dass man in einer Welt lebt, in der aus dem Telefonat zweier Musiker so ein Album entstehen kann.

Am Samstag, 22. Februar spielen die schwarzen Pumas ihre erste und einzige Show in der Schweiz…bei uns im Zürcher mascotte!

Ash sind so etwas wie die Duracell-Hasen des Britrock. Seit fast 30 Jahren bekommt man vom nordirischen Trio hochmelodiösen Powerpop mit hohem Mitsing- und Eingängigkeitsfaktor. Die Indie-Veteranen haben eine  halbe Generation geprägt. Ihr zweites Album "1977" gilt als Meilenstein in der britischen Rock-Geschichte und wurde vom NME zu den 500 besten Alben aller Zeiten gewählt. Sie wissen halt einfach, wie man ausgefeilten, gefühlvollen Pop mit knackigen Indie-Sounds vermischt. Und das macht heute genau noch so viel Spass wie früher. Am Freitag, 28. Februar sind Ash wieder einmal in der Limmatstadt zu Gast und spielen live im Mascotte.

Lola Marsh sind die Sängerin Yael Shoshana Cohen und der Multi-Instrumentalist und Produzent Gil Landau. Das Duo kreiert Musik, die clevere Texte mit tiefen, warmen Harmonien verbindet. Zusammen mit ihrer 5-köpfigen Live-Band sorgten sie 2014 beim Primavera Sound erstmals für Aufsehen. Seitdem spielt die Band ununterbrochen weltweit Konzert und Festivals. Mit dem Debütalbum „Remember Roses“ erhielt die Band ausgezeichnete Kritiken. Im Frühjahr 2020 erscheint das lang ersehnte zweite Album womit sie am 29. Februar im Mascotte Zürich halt machen. 

Die schwedische Band Little Dragon besteht aus den drei Schulfreunden Erik Bodin (Schlagzeug), Fredrick Källgren (Bass) und Håkan Wirenstrand (Keyboard) und ihrer Freundin Yukimi Nagano. Im Gegensatz zu Wirenstrand, der aus den Wäldern von Smaland stammt, wuchs die Halbjapanerin Nagano in Göteborg auf.

Bereits als kleines Mädchen beginnt sie zu singen und seitdem leiht sie ihrer Stimme den Bands Koop und Sleepwalker. Little Dragon veröffentlichen ihr gleichnamiges Debütalbum beim Peacefrog Label, bei dem auch José González unter Vertrag steht. Nagano und Bodin sind auf Tournee die Begleitmusiker von González. Um ihr erstes eigenes Album fertig zu bekommen, hat das Quartet auch schon mal Nebenjobs geschmissen:"Wir waren lieber pleite, damit wir uns auf die Band konzentrieren konnten," erklärt Yukimi.

Nach dem Debüt folgt zwei Jahre später die Platte "Machine Dreams", und sorgt für zahlreiche positive Kritiken. Durch den Aufruhr bekommt auch Damon Albarn Wind von den Schweden- auf die Empfehlung seiner Frau hin bietet er ihnen kurzerhand Features auf dem Gorillaz-Album "Plastic Beach" an. Nach einer ausgiebigen Tour zur Platte widmet sich die Band wieder ihrem eigenen Handwerk, 2011 erscheint "Ritual Union".

Zu Sängerin Yukimi Nagatos Einflüssen und Inspirationen zählt unter anderem Janet Jackson - explizit ihre langsameren Stücke beeinflussen das 2014er-Album "Nabuma Rubberband". Mit der neuen Platte im Gepäck verbuchen Little Dragon eine Grammy-Nominierung in der Kategorie 'Best Dance/Electronic Album'. Nach über einer Dekade im Musikgeschäft trägt die Band ihren Sound weiter und modifiziert ihn zu einer Mischung aus Downtempo und treibenden, elektronischen Beats. Als gelungenen Beweis liefern sie 2017 ihre fünfte Platte "Season High" ab.

Wir freuen uns sehr die wundervollen Schweden, nach ihrer letzten restlos ausverkauften Show im November 2017, wieder bei uns im mascotte begrüssen zu dürfen.

Mit mehreren Multi-Platin-Singles und Alben, einhundert Millionen Streams und zehn hintereinander ausverkauften Abenden im Kopenhagener Vega ist Mads Langer der erfolgreichste Solo-Künstler Dänemarks.

2009 machte der heute 35-Jährige mit seiner Single “You’re Not Alone” erstmals auch in der Schweiz auf sich aufmerksam und knackte mit seinem Pop-Song die Charts. Nachdem er sich eine lange Zeit auf seine Karriere in Dänemark konzentriert hat, kehrt er mit seiner aktuellen Single “Me Without You” und seinem kommenden Album nun endlich wieder in die Schweiz zurück.

Als Songwriter und Multi-Instrumentalist beeindruckt Mads Langer vor allem mit seiner Fähigkeit, unvergessliche Pop-Hymnen wie “Flawless” (2017) oder “Elephant” (2013) zu schreiben und damit zehntausende Menschen auf der ganzen Welt zu faszinieren. Seine Stimme setzt er stets subtil und nuanciert ein, aber kraftvoll genug, sodass die intimen, Gänsehaut bringenden Gitarrenballaden und ansteckenden Ohrwürmer ihre volle Wirkung entfalten.

Anfang 2020 wird sein mittlerweile siebtes Album erscheinen, für dass er in LA, London und Berlin mit diversen Co-Writern und -Produzenten gearbeitet hat. Mit alten und neuen Songs wird der dänische Erfolgsexport im März 2020 nach längerer Pause auch in der Schweiz wieder live auf der Bühne zu sehen sein.

Die Viagra Boys aus Stockholm nennt man auch das 'Worst kept secret" Schwedens. Irgendwo zwischen Alternative, Indie und Punk sind sie daheim, richtig einordnen lassen sich die sechs Schweden aber ungern. Sebastian Murphy, Henrik Höckert, Martin Ehrencrona, Benjamin Valleé und Tor Sjödén machen seit 2015 zusammen Musik. Kennengelernt haben sie sich beim Tätowieren - Sebastian arbeitete als Tätowierer. Nach einer gewissen Menge Alkohol und einem Karaokeabend stand dann fest, eine Punkband muss her.

Wer nun denkt, der etwas schräge Name der Band soll eine gewisse Männlichkeit unter Beweis stellen, liegt falsch. Den Hörer in die richtige Richtung lenken und eine Antwort auf das gescheiterte Männerbild der heutigen Zeit geben, darum geht es, so die Band: Patriachalismus war gestern, Gleichstellung ist heute.

Doch nicht nur politisch und gesellschaftlich zeigen sich die Viagra Boys von ihrer guten Seite, auch live on stage machen sie eine gute Figur. Dieser Ruf eilt ihnen voraus.

Die erste EP "Consistency Of Energy" veröffentlichen die Viagra Boys 2016, im September 2018 folgt das Debütalbum "Street Worms", die 'Fuck-You'-Platte für eine Zeit, in denen man auch in Schweden mit ansehen muss, wie rechts-national gesinnte Parteien im Politikbetrieb nach oben drängen. Und die können den Viagra Boys noch lange nicht das Wasser reichen.

Von wegen «Punk is dead»…die VB’s belehren uns eines Besseren. Recht und gut so!

Niccolò Fabi: zum ersten Mal gibt er ein Konzert in Zürich im Rahmen seiner Europa Tournee:

Ein Ereignis das nicht verpasst werden sollte, am 16. April 2020 im Mascotte – Vorverkauf ist eröffnet!

Niccolò Fabi wird in den nächsten Wochen auf Tournee in Italien sein und in den wichtigsten italienischen Theatern dem Publikum sein neuntes Studioalbum „Tradizione e Tradimento“ vorstellen.

Ein Album über Entscheidungen. Ein Album, das selbst auch eine Entscheidung darstellt. Die erste die jeder Künstler würdevoll treffen sollte, nämlich die Entscheidung Kunst zu machen, weil man von einer Inspiration und von einem Bedürfnis getrieben wird, gefolgt von der Entscheidung dies mit der Öffentlichkeit zu teilen.

„Tradizione e Tradimento“  ist auch ein Album über den Konflikt, über die Suche nach dem Gleichgewicht im Wandel zwischen der Erinnerung und neuen Perspektiven. Die schwierige Entscheidung zwischen Festhalten und Loslassen, wie man sich entwickelt und verwandelt, aber dabei seine Identität respektiert. Wie man Kraft schöpft von dem was uns als Tradition gegeben wurde und gleichzeitig den Mut hat, diesen Weg, der irgendwann wie eine Schiene scheint, abzulegen und versuchen sich selbst in Frage zu stellen, und dabei das ermutigende Eigenbild, das wir von uns selbst geschaffen haben, auseinanderzunehmen.

An gewissen Stellen ist es ein schmerzhaftes Album, aber nie statisch. Es ist das Werk eines Mannes in Bewegung, der ständig versucht seinem eigenen Geschmack zu entsprechen. Der Wunsch eine andere Sprache zu sprechen ist auch musikalisch wahrnehmbar. Eine Sprache die weniger warm und analog ist, dafür kantiger und digitaler. In diesem Sinne ist Tradizione e Tradimento, obwohl es zuerst ein sehr elektronisches Album hätte werden sollen, die Geschichte eines Scheiterns und gleichzeitig die Bestätigung einer starken Identität.

In der finalen Version ist der Einsatz von Elektronik keine stilistische Wahl des Genres, sondern eine Farbe, eine Temperatur, eine kalte Strömung in einem warmen Meer. Erkennbar wird das im Lied „Amori con le ali“ eine kleine Ode zur Bewegung und zu den Mitteln, den Wünschen und den Menschen, die diese Bewegung erzeugen. Es entsteht ein Dialog zwischen einer akustischen Gitarre und einem Synth-Arpeggiator und somit wird dieses Ausgleichen der Gegensätze, diese konfliktreiche Liebe zwischen Tradition und Untreue auch auf akustischer Ebene dargestellt.

 „Tradizione e Tradimento“, in Rom und Ibiza geschrieben und aufgenommen, ist das Ergebnis eines Werks mit viel Herzblut, mit Niccolò Fabi an der künstlerische Produktion zusammen mit seinen langjährigen Freunden, sowie auch seinen Reise- und Bühnenpartnern Roberto Angelini und Pier Cortese.

Eine wichtige Rolle spielte bei den drei Songs „Amori con le ali“, „Nel blu“ und „A prescindere da me“, die Zusammenarbeit mit der Musikerin und Produzentin aus Rom, Costanza Francavilla.

Yakamoto Kotsuga, Soundtrack Produzent und Komponist, hat das Arrangement für das Lied „Io sono l’altro“ charakterisiert.

Vervollständigt wird das Team von Riccardo Parravicini, der das Album aufgenommen und gemixt hat, und von den Musikern Daniele „Mr. Coffee“ Rossi, Fabio Rondanini und Max Dedo.

Séance

„Where We Came From“

Analoge Synthsequenzen, treibende Tanzbeats, eine unverwechselbare Stimme und visuell eindrückliche Performances: wenn die Schweizer Elektronikpioniere von Séance auf der Bühne stehen, wird etwas geboten.

Ralf L. Aerne und Reto Caduff von Séance gehören seit Mitte der 80er Jahre zum Inventar der Schweizer Elektronikszene. Mit ihrem von Blaine L. Reininger (Tuxedomoon) produzierten Album “Blue Dolphin Blue” gelang 1988 auch der Sprung ins Ausland. Musikalisch eigenständig zwischen New Wave, Synth-Pop und EBM hin und her navigierend, wurde es mit der aufkommenden Dance- und House Szene Anfang der 90er still um die Band. Fastforward in die 2000er Jahre: nachdem immer mehr junge Bands (wie z.B. die Schotten Chvrches oder der Schweizer Crimer) ihre Liebe für die analogen Synthesizer Klänge der 80er Jahre entdeckt haben, meldet sich auch Séance mit ihrem unverwechselbaren Sound zurück.

WHERE WE CAME FROM heisst das im März 2020 erscheinende neue Album von Séance. Produziert von David M Allen (The Cure, Depeche Mode, Sister of Mercy) in London, knüpft es klanglich an die goldenen 80er Jahre an, steht aber mit dem anderen Bein klar in der Gegenwart. Kaum verwunderlich, haben sich auch die Inhalte von jugendlichem Leichtsinn zu einer eher nachdenklichen, reflektierenden Haltung geändert. Doch musikalisch klingt Séance nach wie vor eigenständig und immer wieder überraschend: süsse Pop-Nummern und treibende EBM Beats verschmelzen zu einem Amalgam verschiedenster, meist analoger Synth-Sounds. Vorgetragen von Sänger Ralf L. Aerne mit Pathos und dem Augenzwinkern eines geübten Performers.

Live waren Séance schon immer multimedial unterwegs. Die visuelle Ebene ist ein wichtiger Bestandteil der Auftritte. Der Videobeamer hat einzig die Super-8 und Dia-Projektoren von einst abgelöst.

Der Auftritt im Mascotte mit neuen Songs und alten Hits ist das erste Konzert der Schweizer Band nach knapp 30 Jahren Sendepause. Grund genug, diesen geschichtsträchtigen Event gross im Kalender einzutragen.